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篇一：素描学习心得
简介： 素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。不管什么风格的基础素描，它的基本要求是一致的，只是对素描造型诸要素各有不同的侧重而已。在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受
关键字：素描 轮廓 整体
素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。不管什么风格的基础素描，它的基本要求是一致的，只是对素描造型诸要素各有不同的侧重而已。在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。主观感受应依据客现物象并受制于客观物象，所谓"艺术地表现"是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。
素描两个环节很重要：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛玻要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比例准确，要点鲜明，形象明了，就应该说是轮廓准确了。
注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响作品的质量。不正确的观察方法，往往是盯住一点而忽略了全局，目的是为了看清楚那个要画的局部，并不作全面考虑，结果是只见树木不见森林，只看局部的细枝末节而看不到整体的情节气势。而作画时对物象的观察分析，不仅是为了认识物象，更重要的是为了表现物象。这就要求在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对习作的整体效果有一个设想，就像导演拿到剧本就应该在思想中形成这部戏或这部电影的整体"视像"艺术。但这并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的"整体"，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。
整体--局部--整体，作为习作的整个进程大致是这样，但在深入描绘各个局部的过程中，自然地形成了很多小的阶段。应当要求在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下笔来都是一张形象生动的画。所以，掌握整体是对局部而言，在一定阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体性特征，有了具体物象的整体性才有提高的基础能力。
不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。
习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，"画外功夫"要正确引导，多掌握一些课外知识，如：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。
在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，加以引导和纠正。要认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。。
调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。这里所讲的“表现”是说：在素描训练时，应当要用对物象深入的形容和新的发现来不断地激起表现的愿望，激起类似创作的激情。
素描训练，不仅是描摹现象，而且是艺术地再现。所画的那部分不仅是物象的一部分，也是构成画面的有机组成部分。不仅要看这部分是否画对了，而且还要看它是否有表现力。要求表现就是要讲究线条，讲究黑、白、灰，讲究概括，讲究画面的构成和组织，要力求形神兼备，要像写文章那样讲究文采，像戏剧那样讲究韵味。要通过表现使素描基本功成为创作性的艺术活动。由于同一班的学生受教师的影响比较大，要求他们做到风格多样是不可能的。同时，在基础未打好时，就过分地热衷于“个性”会给自己在一定程度上造成偏食的坏习惯，不利于今后的发展。
篇二：学习素描心得
我个人的学画历程与体会—素描
不知不觉，学画已有两年了，两年间积累了一些个人学画过程中的心得与体会，浅薄不堪，不值一提。但近日兴致勃发，欲做一总结，作为两年艰辛历程的一个交代，也可以顺道练习一下论文写
能力，难说偶然能使迷途中摸索的同志瞅见星火，解一时燃眉之急，故作记于此.
我是在高二的暑假真正开始接触绘画，之前的各种学习班、培训都是培养兴趣的作用，不值一提。高一时我就想学画，但苦于没有一条明路。高二时，很运气，我的同班同学有学画画的，让我有了学画的途径。我就在暑假很高兴地来到了浙江金华的浙江师范大学，跟一位老教授学画。
之后高三我考文化科如我预料成绩不佳，我就专心来金华学画了。学任何一样东西都一样，领进门的老师是非常重要的。这点在此时显得无比正确。教我的老师有一个特点，教学非常认真，认真到常人难以想象的地步。于是我的学画历程有了黑色的月份。好处当然是使我很长一段时间在同样学画的同学中总有居高临下的威风。我还清晰地记得，当时他给我安排的作业总是令我画到凌晨2点，时常还有到4点的，而关键是他第二天早上7点就会来我的画室看作业，吃饭的时间每次都是可怜的15分种。想想吧，每天的休息时间平均只有可怜的4个多小时，你就能体会为什么我会称之为黑色月份了。我的那个学画阶段绝对是痛苦的回忆，简直不堪回首！（不过它为我以后为了结果不惜牺牲铺了好垫，我从心底还是感谢它的。）我后期在70人的大画室待过。那儿让我开了眼界，让我学到了不少东西，也让我经历失了自信又重拾自信的反复过程。现在回想，那个阶段也是必不可少的。
第一次接触来自西方的素描，心中有的只有惊奇与崇拜：惊异用简单的铅笔能在纸上表现出神态活现的人物，崇拜画家天马行空的创作天才。和大部分同志一样，我也是从石膏像入手，在无数临摹和写生石膏像之后，我还临过俄罗斯的人体和文艺复兴三大师的头像，接触的面也可谓广。很幸运，高考也不负众望，取得不错的成绩，这与之前的辛勤耕耘是分不开的。勤奋归勤奋，最终是看效果的。这点我想和我一样想考个好学校的同学都是非常清楚的。我个人认为，我的学画历程实在太过艰辛，太过疲惫，我并不是属于笨的人，不该如此的。左思右想，我得出结论：我的学习方法出了问题。我在很长的学画时间内，总是照抄明暗，不论写生还是临摹，而且抄得很小心，( 这与我的性格密切相关，也与老师教学强调的着重点有关 )不放过一丝一毫。画得一模一样就是好的作品，我很长时间就是这么认为的。我以为我早走出了这个误区，但我发现，近期的画，还是一样地照抄明暗，只不过对明暗层次的分辨率提高了，能把很细微的灰面和很小很小的细节抄出来罢了。我对结构的理解仍然肤浅，仍然不值一提。翻出以前的学习作业，每一张在现在看来，都是可以马上进垃圾堆的。虽然在当时认为是无可挑剔的惊世之作。在后期临摩的人体画上，我发现，比例差得不是一点，而是差很多；在后期临
的头像上，我发现，骨骼一点不对。虽然当时我是那么自信……。
我后来知道美术的教育是一个潜移默化的漫长过程，急是急不来的。但我也发现了，我一直那么自信的对结构、体块的理解是多么的肤浅，多么的软弱无力。画面上全是一组组排线，一片片灰色调，根本就没有体块，没有结构。从没有体块意识到有体块意识，这是个很漫长的过程。我推荐美国vilppu的《经典人体素描精细示范》教学光盘，因为他的方法对初学美术的学生来说，是一条捷径，可以大大缩短这个过程。而且不明白的地方可以反复的学习，如果我一开始学习素描就受到这位国际级老师的指导，会节省我几年的摸索。在这套光盘指导下，我经历了1个月的学习和训练，很幸运，基本上逐个解决了。诸如：
1.多样化的素描如何取舍？取舍的经历与结果。
素描有很多种，我们现在的情况，是规定一种具有浓重排他性的素描—油画素描为蓝本，为正统。其他画种类似邪门歪道，是完全不受重视的，是躲在无人关注的角落，任凭风吹雨打。这种现状对我们基本训练的实践中是有害的。其实任何东西都一样，有了比较才有好坏之分，我们如果是想走正途的话，就无可回避多样画种。但假如是单纯应付考试的话，就另当别论了。和大家一样，我学的也是油画素描，在学的过程中接触到过很多其他画种，对其他各门各类的画种也有一些了解。为了应付考试，我关注油画素描多于其他种类的素描。
2.考试该追求 “个性”。
考试不是在进行自我创作，要充分考虑考试的要求，是虎也得卧着。这是大家都知道的常识。但是我今天讲的“个性”并不是以上的“个性”。大家都知道批卷的程序，试卷一排排地摆在地上，评分老师的眼睛和我们的眼睛一样，也是会眼花燎乱的。谁的试卷能第一时间引起批卷老师的好印象，划入高分档，谁就得到了很大的优势。因为在高分档后，就不可能低于高分档的最低分。所以我们的试卷在试卷堆中必须抢眼，必须能第一时间引起老师的好印象。所以大效果必须好。素描是靠明暗拉开对比、表现对象的，对比不强就不抢眼，这是也是常识，所以明暗对比必须强；再一个就是体块感强。这是对考试而言的，并不全面。我所谓的“个性”就是如此。所以我认为，考试该追求“个性”。
3.对线与明暗的反复取舍。
线是从形体中提炼出来的，线高于明暗。这个意识在我的脑中统治了很久。我也曾很长一段时间在追求线条，追求线条韵律的优美与超凡的表现力。反复多次之后，我终于明白：能更好表现自我意识和对象的方法就是好方法，他们没有优劣之分。明暗的作用是表现体块，表现空间的，符合素描的精义。谁能说出安格尔和米开朗基罗谁高谁低？谁也不能，因为他们没有高低之分。你能批评米开朗基罗没线条吗，你能责怪安格尔没体块吗？他们用的表现的方式方法不一样，但却同样做出了令人叹服、永垂不朽的作品。他们是成功的。这就够了。所以我说，不必拘泥于技法。
4.对“形准”的正确理解。
何为“形准”？把对象的形体抄得相似是形准吗？不是。我曾很长一段时间误入此歧途。“形”，应该是指确有感触的形。把对象的特征、气质、感觉抓住了，才是形准。“形”指的是感觉形，符合对象特征、气质又符合本人面对对象的感觉的形。
5.把素描放在哲学思考的角度背景之下进行。
把素描放在哲学思考的角度背景之下进行，同时这样的哲学思考又不离开人及视觉本身，使整个素描学习具有人文学术的气氛，提高对学习本身的兴趣。《周易》上讲到：“一阴一阳谓之道”，哲学初级的思考包括对“对立统一”，“明暗”，“虚实”，“画面中的构成”等的思考与理解。
6.视觉形象从画面中到在人眼中形成影象，画面上的结构、对比、空间等画面效果会无可质疑地减弱。这就是信息在传递过程中无法避免的损耗。
这牵扯到作品在创作时的外部环境、创作材料和在作为成品展出时的外部环境。就要我们充分考虑各种因素，熟练控制住画面，控制画面效果的程度。这种能力不是短时间能练出来的，这种能力的训练，对初学者来说，要求是有点高。可以适当追求一下。对于高手来说，这是很关键的，必须熟练把握材料的特性，才能创造出好作品。
7.最大程度表现工具与材料自身美感，当然离不开对双手潜力的开发。
工具与材料自身美感，指的是肌理效果；手作为我们艺术沟通的主要媒介，一定要很灵活。手不灵活，是绝对画不好画的。灵活的手能准确表达作者心中的创作意图。我的意见是：时常在空闲时间锻炼手的活动能力和灵敏程度。这不用花多少时间就能做到，而做到就一生受益，属于“低投入高产出”的好方法。
8.积极发掘和培养想象力，艺术是不断创新的。
艺术与普通科目不同，它的特征是要不断打破旧的观念，去开创新天地，是需要不断创新的；而普通科目是要严格遵守原有的意识，原有的规则，是需要不断去完善它的。想象力对于普通科目，可以说是一场灾难，但想象力对于艺术，就如翅膀对于飞鸟，它在艺术中的重要性从这个比喻中可见一斑。
9.须真诚地面对艺术，艺术是要用情感作为支撑的。
艺术是情感基于形式的表达。①按照马克思主义的艺术理论，艺术作品是一定社会生活在艺术家头脑中反映的产物，是观念形态的东西，与真实的生活有别。艺术创作绝非单纯的无意识活动，在将现实素材转化为艺术内容时，要经过艺术家筛选、提炼、概括、集中，正是在这个时候，注入了他对生活的认识、评价和期望，渗透了他强烈的感情。这里所谓的形式，就是作品内容的存在方式，包括内容的内部结构；形象外观，二者总是结合在一起的。
素描是绘画艺术的基础课程，但它不是板起面孔来作的，它需要人们情感的投入，真诚地热爱，纯正的品味，才能放出智慧的光芒，才能在同一个问题上取得一个更高的角度，才能触摸到艺术的灵魂。
10.树立坚固自信，戒娇戒躁，勤耕不辍，天道酬勤，定然成功！
很幸运，我最初学画的画室只有5个学生，而我一直都是画得最好的。无数次的作业，我总是最强，我的绘画意识，作画时间也是最好。这种情况一直持续了很久，在我的潜意识里，就形成了：我本来就是最好的，我就应该是最好的，这种坚固不摧的强烈意识。有点类似井底之蛙的思想，但它却令我一直很努力，所以之后在70人的大画室，我也是顶尖的。它促使我不断向最好靠拢。所以我认为自信是一个人能成功的最基本条件。
11.“想”与“画”。
画画也是要动脑的，需要很多思考，我认为学画的过程中“想”与“画”的关系有三个阶段。一，多多画，多想；二，多多画，多多想；三，多画，多多想。“想”在这个过程中占有越来越重要的位置。在第一阶段，基本上只是手的任务，训练手熟练地把想表现的对象表现出来。因为没有一定的绘画经验积累，就没有想的基础，而且那个“多想”也只是在技法层面上的；第二阶段，已经有了初步表现对象的基础，也有了在专业上进行思辩的能力，但是毕竟还是不够的，这时需要反覆地画，反覆地想；
第三阶段，已经具有了熟练表现对象的基础，但在意识形态上，还跟不上，在这个时候，“想”比“画”更重要了。所以多多想，多画。
学画的过程必然是一个从不会画到画得不好，再到画得挺好这三个阶段。第一个阶段是最痛苦的，自我感觉已是很努力，但总不见效果，也是正常的。此时如果不够自信，妄自菲薄，轻易放弃，那就全完了。所以第一阶段最需要的，是良师益友的鼓励，是坚固不摧的自信。
素描是造型艺术的基础。基础的重要性就象大树的根。素描是根，而且是主根，养料和水分就是靠主根输送到树冠和枝叶上去。但是它本身却并不是营养。素描是一种教学活动，是一种作画方式，它是否能起到基础作用，就看作者有没有把营养输到根里，看作者的认识能力和努力程度。素描作为基础训练，并不枯燥，希望有更多的人喜欢素描，练好素描的能力，通过素描为今后的艺术创作做好更多的准备。
由于本人现在只是大一的本科学生，学识非常有限，接触艺术的时间毕竟短暂，对素描的理解仅到此处。尽力做了，无愧于心。希望各位老师同学多多指教。
篇三：素描艺术欣赏心得
起初，选择素描艺术欣赏，完全是本着为了那一个艺术学分而去，但是，在几周的学习欣赏中，我深切的感到素描艺术欣赏，不单单只是一门课而已，也不紧紧是我获取一个学分而已的艺术分，它蕴含了种种深切而又带着美的味道的艺术，也许这就是素描的魅力，艺术的魅力吧？
素描，不就是素色的描绘呗! 这样的解释作为大众的一般概念勉强可以说得过去，但是作为艺术或绘画的概念就显得肤浅。素描是基础，是绘画、设计及一切造型艺术的基础。去掉浮华的色彩和形式，素描就成了构成、节奏、曲线的纯粹的素材刻划、底层研究。如果我们剥离一幅绘画的外在形式和色彩涂层，就会浮现所表现对象本质的框架和结构—— 一个真正表现作品内涵的支撑的美。 同时，素描也是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。 另一方面，素描又是训练造型能力的最基本的手段。但是由于从事绘画艺术和设计艺术不同的分工，对素描训练的着重点也是不同的。绘画素描作为基础支撑的是欣赏的美；设计素描一般是不作为独立欣赏艺术品的形式出现的，它更具有实用性，仅作为设计艺术的一部分或一个过程。在绘画素描的高级阶段，可以逐渐升华成独具欣赏价值的作品，逐步从训练中走出去，或许更简练或许更精致，总之品位见长；而设计素描的深入阶段就越发体现其物质性，越是精美就越体现实用性。
举个例子，素描好比攥紧的拳头，是实实在在的东西，来不得半点的虚张。它需要交代清楚拳头的结构，表现出各手指与手掌之间的关系，骨骼与肌肉、脉络、表皮的承载及各种造型所呈现出的美的造型。不管使用纯线条、线面结合还是光影调子，目的只能有一个：刻划出拳头造型到底是怎么一回事。从这一点说，素描决不能仅依靠感觉去画，而要谨慎表象的误导。
素描它是一切造型艺术的之母，是绘画艺术的基础表现,也是美术基础的一种手段。同时,优秀的素描作品也应该是一种艺术永恒,它有着自己的思想、时代的脉搏和情感体验。就如达芬奇、梵高等，他们的画中，是渗入了自己的感情，寄托着自己的思想的。素描可以使我更加热爱自然，了解自然。素描的学习对象就是自然中的物体，在与自然面对面的观照中，我会发现这些平凡的物体充满了有机的运动和神奇的秩序，还有，它使我更加的热爱生活。素描训练了我们的大脑和眼睛，使我重新认识了生活的价值。
在学习素描艺术欣赏这门课程中，我了解了透视这个概念，以前我是根本不知道，原来在画中一条路它会慢慢的变小变窄，我觉得这个真的很神奇，所以有一段时间，我的电脑桌面就是一张画，画中有一条路是主体，它向着远方慢慢的延伸，最后消失成一点。在生活中路明明是一平行的线，在画中怎么会这样呢，学习透视这个概念，我才知道为何会这样，同时我觉得绘画真是一门神奇的艺术。
简短的几周学习，也许我并没有太多的发言权，但是，这是我学习的感想，是我的心得，即使是错误的，那也是我的一种内心的认识，是一种对艺术向往的尝试。毕加索通过素描，将自己要表达要寄托的思想情感寄托于画中，梵高将自己的情感世界通过艺术表达出来，但是却没有将自己贫困潦倒的俗气给带了进去，这就是他的寄托和表达。而我虽然不能像他们一样能持起画笔，但是我能带着一双欣赏的眼睛去静静地欣赏他们的画，感受他们的思想情感，点滴的变化。
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